Il 17 luglio, Venezia ha ripreso a battere al ritmo incalzante di Five Days in the Sun, il nuovo spettacolo di Emanuel Gat accompagnato dalla Quinta Sinfonia di Mahler. Non è stato solo un debutto: è stato il segnale d’inizio della ventesima edizione del Festival Internazionale di Danza Contemporanea della Biennale, un appuntamento che, da due decenni, sfida le convenzioni del tempo. Qui, il tempo si piega, si dilata, si intreccia con la fisica quantistica; non scorre più in linea retta, ma si apre a nuove prospettive, confondendo passato, presente e futuro. Wayne McGregor, il coreografo britannico che guiderà il festival ancora per due anni, continua a puntare tutto sulla sperimentazione. Oltre la danza pura, con Life Lines all’Arsenale, un’installazione che racconta un viaggio multisensoriale tra memoria e futuro, il festival si conferma un laboratorio di idee e innovazioni.
Tempo fluido e memoria vivente: il cuore pulsante del festival
Questa edizione non si fa incastrare dalle ricorrenze. Non è una celebrazione nostalgica, ma una riscoperta del passato che vive ancora dentro di noi e guarda avanti. Life Lines, l’installazione nella Sala d’Armi E dell’Arsenale, è un racconto fatto di immagini e suoni d’archivio, che crea un ponte fra la storia della Biennale e una nuova idea di tempo, ispirata alla fisica quantistica e alla sua visione non lineare. Chi visita il festival si immerge in un’esperienza che mette in discussione la percezione stessa dei ricordi e dell’arte, in uno spazio dove passato e presente si intrecciano con le forme contemporanee.
Bangarra Dance Theatre: la danza che parla di terra e memoria aborigena
Il Leone d’Oro alla carriera 2026 è andato al Bangarra Dance Theatre, la compagnia australiana nata nel 1989 e guidata oggi da Frances Rings. La loro forza è raccontare, con la danza, le storie degli aborigeni e degli abitanti dello Stretto di Torres, intrecciando tradizione e contemporaneità. A Venezia portano Terrain, che prende vita nel paesaggio lunare del Kati Thanda-Lago Eyre, il più grande lago salato d’Australia. I danzatori, con movimenti ispirati a rituali ancestrali, danno voce a figure umane, animali mitologici e antenati. La colonna sonora, creata da David Page scomparso prematuramente, avvolge lo spettatore in un’atmosfera profonda e intima. Terrain è un viaggio nel tempo e nello spazio, un omaggio rispettoso alla “Country”, la terra sacra delle comunità indigene australiane, dove arte, storia e identità si fondono nella danza.
Mamela Nyamza rompe gli schemi con The Herd/Less
Dalla scena sudafricana arriva Mamela Nyamza, con uno spettacolo che scuote le regole classiche della danza e mette a nudo le tensioni sociali. The Herd/Less è un lavoro potente e diretto, con corpi che sfidano gli stereotipi e si muovono su bidoni di latta che ne limitano i movimenti. Il titolo gioca con due significati: “Herd” evoca il gregge, il gruppo che può anche opprimere, mentre “Less” racconta la perdita dell’individualità e la marginalizzazione. Lance e bastoni in scena diventano simboli di controllo, ma senza cadere in facili moralismi. Nyamza sceglie un linguaggio che mescola accademia e cultura popolare per affrontare temi ancora brucianti come discriminazioni e violenza contro le minoranze. La sua danza è resistenza, è sguardo critico sulla realtà.
Láhppon/Lost: la memoria Sami rinasce in scena
Láhppon/Lost è un’altra storia che il festival porta alla luce, quella della rivolta di Kautokeino del 1852, un episodio spesso dimenticato nella storia europea e persino nella stessa comunità Sami. Le coreografe Elle Sofe Sara, Sami, e Hlín Hjálmarsdóttir, islandese, intrecciano danza, musica e immagini per raccontare questa resistenza. Costumi tradizionali, video, la musica di Valgeir Sigurõsson e i canti joik eseguiti dal vivo dal Norwegian National Ballet creano un’atmosfera intensa e coinvolgente. La performance è un modo per rielaborare un passato doloroso con un linguaggio artistico contemporaneo, restituendo dignità a una pagina di storia spesso cancellata.
Nuove voci italiane e internazionali: Andrea Salustri e Maxine Doyle in scena
Tra le novità italiane, spicca Invisible di Andrea Salustri, romano noto per le sue performance che uniscono giocoleria e manipolazione del fuoco. In questo debutto, realizzato con Alice Rende, l’oscurità diventa palcoscenico per giochi di luce, acqua e aria. Lo spettacolo si muove tra installazione e danza, con effetti visivi che catturano e stupiscono, anche se a volte si perde un po’ in sé stesso, è comunque un’esperienza da vivere.
Dall’Inghilterra arriva Hubris di Maxine Doyle, che riflette sul concetto di hybris, la tracotanza umana che sfida gli dei. Con un tavolo come unico elemento scenico, la performance si basa sulla precisione tecnica dei giovani danzatori di Biennale College, che raccontano con i loro movimenti l’archetipo dell’arroganza e della fragilità umana, costruendo una storia che parla a tutti.
Il Festival di Venezia, che prosegue fino al primo agosto, conferma così la sua vocazione di crocevia tra tradizione e innovazione, memoria e sperimentazione. La danza torna a raccontare storie forti, a mettere in luce identità e a sfidare il presente, mantenendo viva la sua forza espressiva nel panorama internazionale.