Ritorna al Teatro dell’Opera di Roma “Ariadne auf Naxos” di Richard Strauss dopo 35 anni con una regia innovativa di David Hermann

Sono passati trentacinque anni dall’ultima volta che Ariadne auf Naxos è salita sul palco del Teatro dell’Opera di Roma. Non è più la sontuosa festa viennese di un tempo. Questa volta, la regia di David Hermann butta giù ogni fasto e porta il pubblico in un corridoio di camerini, spoglio, illuminato da luci al neon fredde, quasi claustrofobiche. Non c’è più sacralità, solo un’arena di scontro tra arte e burocrazia, tra un impulso creativo che lotta contro ingranaggi che lo soffocano.

Quel retro palco, più simile a un set televisivo, diventa il fulcro dello spettacolo. Cambia tutto: il conflitto tra Opera Seria e Commedia dell’arte si fa crudo e reale. La musica, che un tempo evocava caos creativo, qui si traduce in ansia palpabile, la tensione di chi corre contro il tempo e contro risorse che non bastano mai. L’opera si spoglia del suo velo romantico e si mostra per quello che è davvero: un campo di battaglia quotidiano, senza vie d’uscita.

Un dietro le quinte asettico che parla della crisi culturale di oggi

David Hermann rompe con le tradizioni: niente più “più ricco signore di Vienna” né saloni dorati. Al loro posto un microcosmo freddo e alienante, un non-luogo fatto di pareti bianche e luci al neon che ricorda più il dietro le quinte di uno studio televisivo che un teatro classico. L’effetto è forte: si perde l’aura sacra dell’opera e si entra in un ambiente dove la cultura sembra compressa, soffocata da regole rigide, protocolli e budget sempre più stretti.

Questa scelta si ricollega ad altri lavori del regista, come Inferno di Lucia Ronchetti, in cui il teatro abbandonava gli spazi sontuosi per calare lo spettatore in un contesto più quotidiano, quasi domestico. Qui, in Ariadne auf Naxos, lo spazio scenico diventa metafora di una crisi profonda del sistema culturale, dove l’arte lotta per sopravvivere senza mai liberarsi davvero dalle maglie strette di chi la governa. Quel corridoio angusto racconta la pressione e la fatica degli artisti e dei tecnici, imprigionati in un gioco di richieste burocratiche che soffocano ogni libertà creativa.

Axelle Fanyo dà nuova vita ad Arianna: un segnale forte in tempi difficili

Al centro di questo spazio così spoglio emerge la figura di Arianna, interpretata da Axelle Fanyo. Soprano di colore, la sua presenza rompe con le vecchie abitudini e i modelli eurocentrici che hanno dominato per secoli la scena lirica. Qui non si tratta solo di un casting “color-blind”, ma di un gesto politico, una riappropriazione culturale.

In quel corridoio bianco, Arianna è l’unica a portare un calore umano tangibile. La voce di Fanyo restituisce al personaggio un dolore che va oltre la mitologia: diventa un’esperienza vera, condivisa. La sua Arianna resiste, rivendica il diritto di abitare quello spazio non come una semplice figura decorativa, ma come presenza viva e intensa. Lo spettacolo così smette di essere un omaggio nostalgico e diventa una sfida per lo spettatore, un invito a riflettere su chi può essere protagonista di un’opera e cosa il mito significa oggi.

Nonostante il contesto moderno e asettico, i sentimenti più profondi restano intatti e anzi si caricano di nuovi significati. Arianna diventa simbolo di una resistenza culturale necessaria in un ambiente che rischia di escludere e marginalizzare.

Zerbinetta, tra leggerezza e realtà: il dualismo nel backstage

Sullo stesso palco spoglio si consuma il confronto tra Arianna e Zerbinetta, interpretata con leggerezza ma anche con pragmatismo. La tensione tra i due personaggi si sente forte nel corridoio ristretto. Se Arianna resta ancorata al dolore e all’abbandono, Zerbinetta affronta la realtà con distacco e concretezza.

Il ruolo di Zerbinetta richiama figure mozartiane come Despina e Susanna, donne che sanno che la vita va avanti nonostante le ferite. Nel dietro le quinte ideato da Hermann, Zerbinetta fa del corridoio il suo piccolo palco personale, dove flirtare con l’immediato e con la realtà che si nasconde dietro il mito. La sua presenza incarna la necessità di andare avanti, di trovare un equilibrio tra passato mitico e sfide presenti.

Questa divisione tra Arianna e Zerbinetta manda un messaggio chiaro: il confronto tra il saper soffrire e il dover sopravvivere in un mondo che cambia, spesso senza spazio per eroismi o ideali.

Bacco in jeans: il crollo dell’illusione e un finale che lascia il segno

L’arrivo di Bacco segna una svolta nel racconto. Il semidio mitologico appare vestito con un semplice paio di jeans, una scelta che toglie ogni aura divina al personaggio.

Secondo la partitura, l’incontro tra Arianna e Bacco porta a un’estasi di trasformazione e rinascita. Qui, invece, la regia spezza tutto: Bacco scappa via, stravolgendo il senso originale dell’opera. Questa fuga interrompe la metamorfosi promessa e lascia Arianna sola, intrappolata in una solitudine che sembra eterna e punitiva.

Hermann riprende elementi di Inferno, dove la condanna eterna è il non riuscire a sfuggire al proprio dolore. Rinunciare alla salvezza che arriva dall’altro diventa simbolo di un tempo che non crede più ai miracoli o ai cambiamenti. Questa scelta spinge a riflettere su come oggi guardiamo ai grandi miti e alla loro capacità di offrire conforto o speranza.

Mettere Arianna in un backstage asettico e far fuggire Bacco spinge lo spettatore a misurarsi con la fragilità del presente e con una cultura sempre più chiusa in se stessa.