Nel cuore di Milano, le sculture di Leoncillo parlano con una voce che non si spegne mai. Nato a Spoleto nel 1915, l’artista ha lasciato un segno profondo nella scultura italiana del Novecento, e oggi, a più di cinquant’anni dalla sua scomparsa, le sue opere continuano a colpire per forza e intensità. Corpi umani che emergono tra ferite e colori vivi, superfici di argilla tagliate, volumi frantumati: ogni pezzo è un grido silenzioso, un dialogo tra figurazione e astrattismo che attraversa decenni di sperimentazione. La mostra presso Thaddaeus Ropac a Milano svela opere inedite, attraversando una vicenda artistica densa di passione, storia e riflessioni sul corpo e sulla società.
Leoncillo: il corpo che cambia forma
Leoncillo inizia la carriera con sculture ben definite, inserite in un contesto artistico che cerca ancora una sua identità dopo la guerra. Dagli anni Trenta al primo dopoguerra, le sue opere mostrano figure riconoscibili, cariche di colore e ispirate a un barocchismo romano-centroitaliano. “Suonatori” e “Trofeo” sono esempi di policromia vivace e movimento, con corpi chiaramente umani, animati da gesti precisi.
L’influenza del cubismo e gli sviluppi postbellici portano Leoncillo a smontare la figura: le forme si frammentano, si sovrappongono, diventano piani e blocchi di colore che dialogano più con l’astrazione che con la pura rappresentazione. Nel secondo dopoguerra emergono opere come “Centralinista” , dove il corpo femminile diventa monolitico, riflesso di temi sociali e politici legati al lavoro e alla condizione delle donne. Qui la scultura si fa impegno civile, con toni forti che oscillano tra espressionismo e un pop inaspettato, parlando ancora oggi con forza di lotta e dignità.
Opere chiave e svolte decisive
Tra i momenti più significativi della sua produzione c’è “Colomba” , esposta in uno spazio raccolto della mostra per favorire una visione ravvicinata. Realizzata per un’installazione esterna, fu però presto rimossa per la sua complessità e originalità poco convenzionale. Con “Colomba” Leoncillo raggiunge una svolta: materia, colore e forma si fondono senza più contrasti netti, dando vita a una scultura che sembra vivere di luce propria, capace di affascinare e disorientare.
Negli anni successivi alla sua uscita dal Partito Comunista nel 1957 – evento che segnò profondamente la sua vita e la sua arte – l’artista si concentra su serie come i “Tagli”, le “Mutilazioni” e il “San Sebastiano”. Qui la figurazione lascia spazio alla materia e al corpo inteso come membrana vulnerabile, attraversata da ferite profonde. Con tecniche incisive, tra coltelli e fili metallici, Leoncillo scava l’argilla per raccontare il dolore nascosto e l’emotività più profonda. Le ferite diventano così simboli concreti di sofferenza e resistenza.
Gli ultimi anni e le opere monumentali
Negli ultimi anni, dopo la fase di destrutturazione e analisi dolorosa del corpo, la forma torna in modo essenziale e monumentale. Le sue creazioni ricordano figure simili a golem, dai volumi pesanti e dall’aspetto carico di presenza, ma ridotte all’essenziale. Tra le opere più imponenti di questo periodo c’è “Amanti antichi” , che la mostra milanese presenta dopo il successo riscosso nell’esposizione dedicata alla cultura etrusca e al Novecento.
Questa scultura racchiude un significato profondo: due figure si fondono dolcemente, quasi dissolvendosi l’una nell’altra, lasciando emergere il “fuoco” interiore che anima il corpo più della sua forma esteriore. L’opera richiama modelli classici ma li trasforma, portandoli a uno stile personale e raffinato. Qui si sintetizza l’ultimo atto di Leoncillo, che ci lascia una visione del corpo umano sospesa tra memoria storica e energia vitale.