Leoncillo a Milano: ferite e colori nella scultura che celebra il corpo umano

Leoncillo parla ancora, e lo fa con una forza che sorprende. A Milano, la sua mostra da Thaddaeus Ropac ripercorre quarant’anni di lavoro senza mai perdere intensità. Le sue sculture, corpi eterni e fragili insieme, sono trafitte da ferite e attraversate da colori vividi che non si dimenticano facilmente. Un viaggio nel tempo e nell’umano, capace di scuotere chi si ferma a guardare.

Leoncillo e il corpo: un filo rosso nella scultura italiana contemporanea

Già nel 1949, Roberto Longhi definiva Leoncillo “l’unico fatto aperto della giovane scultura italiana”. Una frase ancora oggi valida, visto come il corpo umano abbia sempre dominato la sua arte. Ma qui il corpo non è mai un’immagine idealizzata o banale: è fragile, completo, vissuto. È sia soggetto che materia viva, non solo nelle sculture, ma anche nei disegni e nelle opere in argilla. Leoncillo ha esplorato ogni aspetto della figura umana: dal corpo intero alla sua dissezione, dalla frammentazione alla ricomposizione. In fondo, il vero protagonista è sempre il corpo.

La mostra milanese, curata da Lorenzo Fiorucci, Alberto Salvadori e Azalea Seratoni, ripercorre questo percorso complesso con una selezione che spazia dagli esordi figurativi agli esperimenti cubisti, fino agli ultimi lavori, meno definiti ma più carichi di sentimento. Ogni sala racconta una storia diversa, con sculture e disegni che si rispondono, svelando molteplici modi di leggere il corpo e il suo destino.

Dall’eleganza barocca ai colori forti: i primi passi di Leoncillo

Nella prima sala, le opere più antiche mostrano un legame forte con la tradizione romana e centroitaliana, soprattutto nell’uso di colori intensi e nella resa dei corpi. I Suonatori e il Trofeo sono esempi lampanti di questa fase, dove la policromia esplode in toni festosi e potenti, disegnando figure chiare ma vibranti, lontane dalle fredde riproduzioni accademiche.

Vicino a questi, il disegno Ulivo anticipa quello che sarebbe venuto dopo in scultura. Quel tronco spoglio e quasi schematico prepara la strada a opere come Taglio rosso e Taglio nero degli anni Sessanta, che in mostra dialogano con questo disegno, sorprendendo per la continuità tematica. Qui si vede un artista che si confronta con la tradizione figurativa e cerca la sua strada nel panorama moderno, senza dimenticare le radici.

Un corpo forte e sociale: le trasformazioni post-belliche di Centralinista

Dopo la Seconda Guerra Mondiale, la ricerca di Leoncillo cambia direzione. Centralinista ne è la prova: la scultura abbandona le forme morbide per diventare frontale, quasi monumentale. Il corpo femminile che emerge è segnato da una forte presenza sociale, fatta di lotte, lavoro e impegno civile.

Non è più solo un’immagine estetica, ma un simbolo vivo, che racconta l’Italia che cambia. I colori si fanno più decisi, quasi espressionisti, con toni pastosi che colpiscono subito. Quel rosa e quel giallo, oggi quasi pop, non sminuiscono la serietà dell’opera, anzi la rendono più densa, trasformando il corpo in testimone di un’epoca segnata da grandi tensioni sociali. Non è un caso che Leoncillo fosse partigiano: quella dimensione politica attraversa ogni sua opera.

Colomba, un’opera poco nota che segna una svolta

Tra le opere in mostra, anche quelle meno famose giocano un ruolo chiave nel percorso di Leoncillo. Colomba , esposta in una sala raccolta, chiede uno sguardo attento, lontano dall’impatto immediato di altre sculture. Pensata per uno spazio aperto, fu rifiutata per la sua complessità e poi rimossa.

In questa scultura si coglie il momento in cui Leoncillo cambia marcia: i colori sembrano sciogliersi, i volumi si fondono, la forma circolare dà un senso di armonia meno rigido rispetto al passato. Messa a confronto con Centralinista, Colomba esprime una nuova sintesi, una maturità formale. Leoncillo scriveva a Longhi che quell’opera “esiste in sé”, una frase che sottolinea quanto fosse importante per lui.

Tagli e ferite: il corpo tra distruzione e rinascita

Nel periodo d’oro tra fine anni Cinquanta e inizio Sessanta, Leoncillo si concentra su serie che hanno lasciato il segno nella scultura italiana: Tagli, Mutilazioni e San Sebastiano. Tutte nate da un lavoro intenso sulla materia.

Realizzate in argilla, queste opere sono incise, scavate, tagliate con coltelli e fili di ferro, come a voler svelare ciò che sta sotto la superficie. La pelle si apre, emergono le viscere, raccontando gli stati d’animo dell’artista. Per Leoncillo, l’argilla è un materiale vivo, capace di esprimere emozioni complesse e contraddittorie.

Sono un taglio netto con la tradizione, ma al tempo stesso negano e desiderano ricostruire un senso. La scultura diventa così metafora della sofferenza, della rinascita e della privazione, personale e collettiva.

Gli ultimi anni: corpi essenziali e simbolici

Negli ultimi anni, l’arte di Leoncillo vira verso forme essenziali, quasi primitive. Le ferite si trasformano in corpi massicci e statuari, figure potenti ma senza dettagli superflui, capaci di evocare presenze antiche.

Uno dei pezzi più importanti di questo periodo è Amanti antichi , già mostrato a Milano in una mostra sul legame tra cultura etrusca e Novecento. I due amanti si fondono in un abbraccio silenzioso, con forme che si sciolgono e si avvolgono, lasciando emergere un fuoco interiore più forte della forma stessa.

L’opera richiama simbolicamente il Sarcofago degli sposi etrusco, ma lo rilegge in modo originale e moderno. Chiude così un percorso segnato da una ricerca profonda sulle tracce del tempo sul corpo umano, sempre trasformato da Leoncillo in un messaggero di forza e fragilità insieme.